3 maneiras de chamar um storyboard

3 Métodos:Criando o storyboard de uma cena Melhorar seus storyboards Faça storyboards como um profissional

Storyboards são versões (mais ou menos) filmes de quadrinhos. Ilustrando os ângulos de câmera, o tempo de cálculo, o aparecimento e ação do filme para que possa trabalhar de forma eficiente no set. Também ajudam a criar imagens criativas e artísticas e se preparar para problemas de filmagem antes que eles surjam.

método 1Criando o storyboard de uma cena

Terminar o script antes de começar com storyboards. O script é um modelo de como um som de cinema, de modo que o storyboard é um modelo de como um filme será semelhante. Storyboards são a maneira que eles se encaixam visualizar como a atores, adereços, fundo e ângulos de câmera em uma determinada cena ou sequência de tiros. É a sua chance de planejar visualmente o filme antes que ele tenha câmeras, atores e equipamentos caros esperando por suas instruções sobre o conjunto.

Dito isto, uma das obras do criador de um storyboard é melhorar o script, adicionando ilustrações. Você deve saber toda a história antes de começar.

Desenhar imagens para cada cena deixando espaço abaixo para o diálogo. Depois de ter escrito o roteiro e ter uma idéia do que vai acontecer no filme, obter algum papel ou papelão para montar o Storyboard. Como em uma história em quadrinhos, cada quadro representa um tiro ou cena e o espaço por baixo é onde você vai encher de diálogo, notas ou ação.

Enquanto você pode desenhar seus próprios scripts, há muitos modelos gratuitos on-line que você pode imprimir para começar a desenhar imediatamente.

Define o local e qualquer objeto importante no primeiro quadro da cena. A função mais importante de storyboards é mostrar como vai demorar. Para o seu primeiro storyboard, você precisa de todos os detalhes essenciais para que as pessoas que os lêem saber onde eles estão. Se você estiver em dúvida sobre o que incluir, sempre pergunte a si mesmo esta pergunta: "É este essencial para compreender a cena?".

Cada vez que você alterar o local, você tem que desenhar um novo fundo. Lembre-se: Você está indo para contar a história visualmente. Tente imaginar o que teria que ver se este era um filme.
Se o fundo não muda entre as tomadas, você pode deixá-lo em branco e se concentrar na ação.

Use as setas e notas para mostrar qualquer movimento ou mudança. Por exemplo, se você quiser um personagem socou outro e não tem que desenhar cinco imagens de um punho lentamente se movendo em direção a uma face. Em vez disso, faça um desenho do punho com uma seta indicando o movimento.

Você também pode usar as setas para indicar os movimentos da câmera, como uma panela ou inclinação.

diálogo completo e sons da cena sob a imagem. Lembre-se, basicamente, você está indo fazer uma versão animada do filme, então eu também tem que adicionar os efeitos sonoros essenciais. Não se preocupe se não todos se encaixa, porque só vai dar instruções ao diretor e da equipe sobre onde o som deve corresponder, de modo que o reticências ("...") Pode ajudar.

Faça uma nova tabela para cada ação ou movimento significativo da câmera. Cada vez que algo acontece, você precisa de sua própria imagem. Se você estiver indo para desenhar uma conversa, você deve mudar de um personagem para outro, bem falar para desenhar alguns tiros ambos ao mesmo tempo. Você tem que desenhar cada uma dessas alterações individualmente.

Você não pode simplesmente chamar a 1 ou 2 quadros e dizer que eles são "alternate takes" de uma conversa. Imagine uma cena em que a mãe está com raiva de seu filho para quebrar uma lâmpada. Mostrar tudo do ponto de vista da criança triste ou assustado é muito diferente de mostrar tudo, desde o ponto de vista da mãe furiosa, a transição para um lado e do outro ou mostrar a lâmpada quebrada.

Ele inclui notas essenciais sobre o movimento, sons ou efeitos especiais. Se uma cena requer um pouco de sangue falso, menciona nem a desenhá-lo com uma caneta vermelha ou tomando nota. Se a caixa requer um tiro longo e contínuo, use as setas para indicar como tudo flui. Embora existam condições adequadas para tudo isso, a coisa mais importante é contar a história visualmente na maneira que você puder. Se alguma coisa faz sentido como um guia para as filmagens, incluí-los.

Se a câmara não fazer transições, mas muitas coisas acontecem, você pode usar várias tabelas para um único "transição". Cada vez que algo acontece, você precisa de uma nova imagem, mesmo que a câmara não se move.

método 2Melhorar seus storyboards

Encontrar maneiras de expressar visualmente os temas do script. Não deixe que o script "falam por si". Os melhores filmes são tematicamente relacionada a todos os níveis: no roteiro, storyboards, efeitos sonoros, agindo, etc. É o seu trabalho para converter um bom roteiro em uma excelente representação visual. Em cada cena, pergunte-se qual é o objetivo, que é a atmosfera ou o tom eo que adereços, personagens ou os momentos mais importantes são. Como você pode atrair a atenção para eles?

Localiza o elemento mais importante da cena para encontrar a maneira de atrair a atenção do público para ele em cada tiro, ampliando, centrando-se, fechando o foco, etc.
Gene Wilder fez storyboards, mas eu pensei como um comediante visual. em Willy Wonka ea Fábrica de Chocolate, ele concebeu a famosa introdução onde ele tropeça, cai e rola "acidentalmente" antes de uma tempestade de aplausos, como uma forma de representar Wonka como um engraçado, estranho e que escondeu atrás de seu personagem cômico fachada.

Evite composições planas e bidimensionais sempre colocar a câmera em um ângulo. O que deve haver é um piso completamente plano com câmera perpendicular a ele. Incline ligeiramente a decisão dá três dimensões para storyboard, mesmo que seja apenas uma ligeira alteração. tiros em linha reta quase nunca são tão emocionante como composições dinâmicas e tridimensionais.

Use o primeiro e segundo plano em seu favor. Não coloque todos os personagens ou objetos na mesma profundidade line.
Também não se esqueça o fundo distante. É um bom lugar para criar profundidade.
Claro, existem várias razões pelas quais você pode quebrar essa regra, como a criação de uma tomada perfeitamente simétrico. Só você sabe por que você está indo para quebrar essa regra antes de fazer isso.

Ele fornece motivação para fazer uma transição de câmera em vez de simplesmente mudar a decisão. Normalmente, isso é óbvio: se outro personagem fala, você tem que fazer uma transição para exibir. Se alguém ouve um barulho atrás de si, você fazer uma transição para mostrar o local onde o barulho vinha. Todas as boas transições tem uma razão, se o enredo, personagens, desviar a atenção ou decisão puramente artístico.

Uma das mais famosas é a de transições 2001: Uma Odisséia no Espaço, onde Stanley Kubrick, o diretor, faz uma transição de uma arma para um satélite voando no espaço. Em uma única transição, fecha a lacuna entre o homem primitivo e o homem do futuro, ao mesmo tempo sugere que muito pouco mudou, apenas o palco.

Use o ângulo da câmera para indicar as relações e sentimentos entre os personagens. O ângulo do tiro diz ao público como se sentir sobre os personagens ou cenas. Você pode usar isso em muitas maneiras e você deve sempre perguntar como o ângulo da câmera ajuda ou atrapalha o objetivo de fazer. Por exemplo:

Assistindo a um personagem de cima faz parecer fraco, medroso ou impotente. Assistindo a um personagem de baixo faz com que pareça poderoso, confiante e dominante.
ângulos extremos, tais como doses muito elevadas, muito baixas ou inclinado, mostram confusão, medo ou uma experiência bizarra, como uma viagem psicodélica.

Tente escrever a cena em prosa se você tem dificuldades para começar. É difícil sentar e começar a cena e tomar decisões como o ângulo e composição câmera se você não tem certeza sobre a direção que você quer ir. Um passo intermediário é bom para escrever a cena como se fosse uma história. Que partes emergir como o mais importante, o que detalhes destacam-se por escrito e quais são as acções-chave em cada tomar são? Então você pode editar esta miniatura script como prática antes de desenhar.

Cinge apenas uma ou duas descrições para cada tiro ou cena. Você não vai escrever um romance, mas um guia.

Ele estudou cinematografia. Storyboards são, essencialmente, praticar tiros para um filme. Portanto, seu objetivo é usar tabelas para organizar os de iluminação, câmeras e definir na vida real, de modo que imitam leva você desenhou. Mergulhe nos tipos de aviões, composição de cores, ângulos de câmera, etc., aumentar grandemente o seu kit de ferramentas como criador de Storyboard.

Desenhe um storyboard para o filme barato, mas não é. Se você vai trabalhar em um filme maior, você tem que saber a dificuldade aproximada dos tiros para determinar se eles são viáveis. o consumo elevado Muito pode ser bem e encaixar o filme, mas o disparo de um helicóptero é muito caro.

método 3Faça storyboards como um profissional

Aprender a terminologia ângulos de câmera comum. Confiar não apenas seus desenhos para transmitir a mensagem. O mundo do cinema está cheio de vocabulário que vai facilitar muito o seu trabalho e fazer seus storyboards mais precisa. Anote os ângulos de câmera ajuda a equipe a saber rapidamente quais são os planos devem ser preparados e permite que você veja se você está acidentalmente ficando repetitivo com os tipos de aviões.

quadros de pessoal: desenhos rápidos que ilustram o conjunto, a localização ou a posição inicial dos personagens.
Tiro longo, médio tiro, close-up e extremo close-up: se você estiver indo para mostrar um personagem, como muito do que você está indo para mostrar? O plano geral mostra todo o corpo, o plano intermediário mostra cintura para cima, close-up mostra os ombros e cabeça e programas de primeiro plano apenas o fim cabeça.
Planes cima e para baixo: aviões-se olhar para um personagem de baixo para cima, enquanto observa os aviões para baixo um personagem de cima. o "vista verme" e a "vista aérea" são versões extremas de cada um.
Plana no ombro: um dos termos mais importantes. Nestes desenhos, uma pessoa ou objeto é um lado da mesa, de costas enquanto assiste a outra pessoa ou objeto. Isso é muito comum nas conversas entre duas pessoas.
Plano duo: quando ambos os personagens costumam ser falada, ambos estão no mesmo fotograma de cada vez. Ao desenhar o diálogo, muitas vezes faz um dueto planos alternativos com apartamento no ombro.
Pontos de vista: Eles são simplesmente quando a câmera imita o ponto de vista de um personagem.

Familiarize-se com os movimentos de câmera para ilustrar mover ou alterar tiros. A seguinte lista não é exaustiva, mas é um bom guia básico para escrever storyboards coerentes. Cada vez que você quiser adicionar um tiro, tipo de movimento da câmera no Storyboard.

o traçado É quando a câmera segue a ação sem cortes, como seguir alguém enquanto caminhava pela rua. Use as setas para indicar movimento e várias tabelas, se necessário.
o paneo quando a câmera é simplesmente gira em uma direção, muitas vezes, na sequência de um personagem enquanto se move ou expor algo sobre isso. Desenhar uma seta para ilustrar a orientação da câmara.
o deslocamento quando a câmera está fisicamente ele se move dentro ou para fora. Imagine que uma tomada de televisão e, em seguida, a câmera "em movimento" lentamente para trás para revelar uma família assistindo televisão em seu quarto. Use 4 linhas apontando a partir do centro do ecrã de cada um dos cantos da armação para indicar o deslocamento.
o foco Rack É quando há um objeto difuso no fundo e um acentuado no primeiro plano e, em seguida, o foco muda de uns aos outros (você também pode ir para o outro lado). Desenhar uma linha para indicar onde o foco começa e onde ele se move.

Tome notas apropriadas de transições entre os disparos. Os seguintes transições estão entre os mais comuns em filmes e deve tomar nota delas no Storyboard. Cada um requer uma pequena imagem ao lado das palavras que representa visualmente a transição. Comece com um pequeno retângulo que representa a tela um pouco antes do diálogo e, em seguida, preenchê-lo com a transição:

Lançar entrada e saída: isso é simplesmente quando a imagem aparece ou desaparece lentamente a partir de uma tela em branco. Para um fade, desenhar um triângulo apontando para a esquerda, para uma saída, desenhar um triângulo apontando para a direita.
crossfade: quando uma imagem desaparece lentamente para a próxima. Para desenhar, fazer dois triângulos que se cruzam na caixa a partir dos quatro cantos. Isto representa desenhos para fade-ins e saída de sobreposição.
sweep: quando uma imagem é fisicamente se movendo na tela, revelando a próxima tacada abaixo dele. Basta desenhar uma linha vertical no centro do rectângulo e uma seta através dela para indicar em que direção irá mover a primeira imagem.

Lembre-se as instruções básicas de rolamentos para ajudar a definir o cenário e os atores. Os seguintes termos referem-se a localização de um objeto no tiro. Eles também podem ajudar a orientar o movimento, como se um carácter vem subindo a partir do fundo do alvéolo em primeiro plano, que pode ser expresso como "FAPP" (Fundo para o primeiro plano).

Close-up (PP): a área perto da câmera.
Midplane (PM): o centro do quadro.
Fundo (F): a área adicional a partir da câmara.
câmara no exterior (FC): isto é útil se houver um som, o diálogo, etc., que os telespectadores não podem ver ou se um personagem entra ou sai da mesa completamente.
Sobreposição (S): quando um objeto ou a imagem se sobrepõe ao outro, mas ambos são visíveis.

rotular adequadamente as tomadas de modo que o resto da equipe pode ler. Em geral, uma "cena" em um storyboard na verdade, refere-se a um movimento ininterrupto da câmera, não um evento completo. Estas cenas são unidos para formar um "seqüência", Que é a ação ou total conversa que você está indo para representar (o que normalmente chamamos de "cena".)

Cada vez que a câmera para fazer a transição, é necessário alterar o número da cena para indicar um novo take.
Se uma única cena requer várias ações sem alterar câmera, estes são rotulados como painéis. Se uma parede requer três storyboards, cada painel como você etiquetarías "1/3", "2/3" e "3/3".

Se você está confuso, seu objetivo deve ser, símbolos ou vocabulário não perfeitas claras. O principal objetivo de um storyboard é narrar o filme visualmente, não aprovar um teste de vocabulário. Enquanto você deve sempre se esforçar para aprender a terminologia, storyboards devem ser de fácil leitura para os diretores, cineastas e outros equipamentos. Se você tem uma idéia, mas não sei como expressá-lo, use suas habilidades de desenho para transmitir a mensagem de forma mais simples possível. Você deve usar as setas, notas e vários painéis de compartilhar suas idéias criativas quando as palavras não são suficientes.

Imagine um único take long, como o princípio da touro Indomável. Enquanto houver um corte, você não poderia manter aquele tiro em um único painel. Você precisaria unir muitos painéis com setas, notas e diálogo para planejar o tiro.
listas de vocabulário aqui mencionados não estão completos. Há centenas de palavras, tomadas e faixas usadas por criadores profissionais de storyboards. Para ser um profissional, você tem que continuar a investigar os termos.

dicas

Se você estiver acessível, você pode dobrar um pedaço de papel para formar 6 caixas fácil enquadrar cenas ou baixar um modelo livre para storyboards Internet.
Não faça um esboço perfeito servir.
O software storyboards muitas vezes contém um banco de dados para ajudar a informações do monitor do script, adereços, locais, orientações para a câmera, etc.

Como desenhar um storyboard

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